在這邊先作一些釐清，常常聽到的SOHO族，是Small Office Home Office的縮寫，意思就是在住家或小型辦公室工作的人，所以一些人數不多的工作室也可稱之為SOHO。至於接案子的自由工作者，無論是兼職的還是全職的，則是稱為freelancer。

關於SOHO的工作地點，我想絕大部份還是以住處為主，部份人會考慮租（分租）個小工作室，或到外頭的咖啡館去工作。

我自己是屬於在家工作的類型，在家工作的好處有哪些呢？第一就是不用通勤，省去了交通時間跟費用，也沒有尖峰時段塞車的困擾，再來可以完全不用在意形象，蓬頭垢面、穿著睡衣就處理起公事，累了隨時有床可以休息，另外白天上門的掛號信跟快遞，也不會因無人在家而收不到，還有可以節省租用工作室或是必須點簡餐飲料的開銷，我個人又因為除了電腦跟繪圖板之外，常常會使用到紙筆顏料或是掃描器等等的配備，所以不是很方便能攜帶到外頭去作業。

那為何還是有SOHO要到外頭工作呢？原因無他，家裡實在有太多使人分心的理由跟誘惑。上班族在辦公室裡想偷閒，頂多開個msn或偷偷種種菜，但在家裡，後面沒有主管盯著你看，電視跟床就在視線可及的範圍向你招手，偷懶程度可能無上限向上發展。假設是跟愛叨念的家人同住，免不了有工作以外的雜事干擾。而跟別人分租工作室的好處，除了分攤租金，還可以讓沒有同事的SOHO們，產生互相激勵的作用，或是增加合作的可能性。另外有些人則是想在炎熱的夏天，到外頭的店家去吹吹冷氣。

工作地點的選擇主要還是跟個人習慣有關，但可想而知，如果選擇在家工作，自制力跟時間管理就成了非常重要的事情。

坦白說，一開始我還真不習慣待在家。對很多人來說，關在家裡整天不出門或許很簡單，但不巧我就是屬於在家裡待不住的類型。學生時代，一周總有好幾天會到學校去上課，要畫圖有美術教室可以用，要念書有圖書館可以窩，用餐也一律是在外頭解決，整天就是到處爬爬走。工作之後，花了一些時間才習慣在住處待上很長的時間，並且慢慢找到適當的作息模式，尤其，當待在家不只是睡覺跟看漫畫，還要在無人督促的情況下，一天持續工作八小時以上的時候。

不過個人有個原則，再怎麼樣都不會整天不出門，即便是在很忙的時候，一天最少也會撥一小時外出吃飯兼散步，到書店晃晃，看看街上的人群，呼吸一下外面的空氣，足不出戶會讓我產生跟外界失聯的焦慮感。

既然在家工作，住處的功能性勢必要相當重視，但我目前居住的地方，是完全不適合工作的，主因是一開始並沒有以美術工作需求為考量，所以沒有夠大的工作桌跟書櫃，這點在我開始工作之後，漸漸造成許多困擾，因此新年展望的其中一項，就是打算換到更合適我工作的居住環境，畢竟那不僅關係著居住品質，也影響到工作品質阿！

配圖是拿以前的一張作品，剛好是棟房子。

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猶太博物館，是我出發到柏林前，就鎖定一定要拜訪的美術館。

猶太博物館非常特別，這棟建築物的設計訴求，不同於一般博物館的設計邏輯，主要作為展覽品的載體，它像是一個超大型的雕塑一樣，直接將本身作為一個藝術作品，用建築物本身的造型、空間，來詮釋歷史上德國猶太人的浩劫故事。

這裡最早是隸屬柏林博物館，後來在1999年，正式獨立出來，成為單一的機構，新的柏林猶太博物館於2001年落成，而且由知名的猶太裔波蘭人建築師—Daniel Libeskind（丹尼爾．李伯斯金）所設計，取名為：Between The Lines（線與線之間）

從上方鳥瞰猶太博物館，呈現特別的閃電狀。（右邊ㄇ字型的紅屋頂建築為柏林博物館）

博物館的logo，也使用這個特殊的鳥瞰圖來作為代表圖像。

建築物表面覆蓋著鍍鋅金屬片，是一種冷調的灰，而窗戶是不規則分布的斜線，彷如被利刃切割開的一道道傷口。

內部空間不是一般視覺習慣的垂直與水平，也不是圓滑的流線，都是菱菱角角，尖銳歪斜，在在隱喻著猶太人遭受的許多苦難跟困境。其中設計了三條動線，相當曲折，各有其跟歷史結合的特殊涵意。走道狹窄卻挑高，從窗戶透進些許光芒，行走其中，好像深陷在泥淖裡，瀰漫著壓迫感。

在其中一條走道上，展示了一件永久性的裝置藝術作品「落葉（Shalechet）」，是以色列藝術家馬納舍·卡迪希曼（Menashe Kadishman），使用鋼，製成了厚達三公分的圓餅狀物體，鋪滿地面，除了數量帶來視覺上的震撼，仔細一瞧，上面的幾何形狀拼湊出一張張的臉孔，張開著嘴巴，彷如無聲的吶喊。這件作品是可以讓人踩踏過去的，面對這滿地「落葉」，我何其忍心踐踏這些已太過心碎的面容。

內部也有一般展示展品的空間，有常設展，也有暫時性的展覽。

想起了繪本大師—英諾桑提 Roberto Innocenti的作品：《鐵絲網上的小花》，一位德國女孩與猶太人的故事。

現在在德國，有許多紀念猶太人的建築或遺址，雖然過去曾有這樣殘忍的事件，但德國人勇於面對，願意自省、彌補，才能真正從歷史上得到的教訓，並同樣獲得別人的尊重。

當時應該再多拍一些照片的。有機會拜訪柏林，記淂來看看這記憶歷史傷痕的博物館。

<部份圖片轉錄自以下網站>

→柏林猶太博物館官方網站
→建築師Daniel Libeskind官方網站

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前陣子TinTint點點印推出新產品：拍拍卡，並與myID合作，要送出1ooo份免費體驗包，得知這個消息，我當然二話不說馬上試做了一份，不過體驗包的張數只有正式版的一半，但完全免費也已經滿夠意思，而目前此活動已經結束囉！

沒聽過TinTint點點印的人，可以先看一下TinTint點點印拍拍卡介紹。

基本上所有產品的製作流程如下：註冊帳號→線上編輯→完成下單→付款完成→產品印刷寄出

編輯圖片的方式，是使用官方的線上編輯軟體，不過我覺得不太順手，應該是因為我本身已習慣於使用photoshop等繪圖軟體，也沒有使用官方一些較花俏的主題，所以希望能全部自己動手編排較有彈性，但如果是一般人的使用者，應該算是簡單也容易上手，只是好像因為是線上編輯，會有些lag。

當時也沒有頭緒要放哪些圖片，本想使用一些插畫作品，但版面固定為長方形，比例都不太合適，就挑選了一些之前使用Vivitar所拍的照片。現在大家越來越少把照片洗出來了，不僅幾乎都是數位相機，就算是使用傳統相機，往往也是將底片掃成數位檔，剛好趁這個機會，將一些照片印出來作紀念。

就在今天，收到了成品。拍拍卡本身附一個紙盒，體驗包的紙盒跟正式版略有不同，還有點點印的小貼紙，外加了一張聖誕版本，整體外面還有一個厚的瓦楞紙盒。

實品的拍拍卡厚度挺夠，有o.4mm，並使用雙面霧膜處理。霧面跟亮面比起來，我覺得霧面觸摸起來比較有質感，但小缺點是彩度會略略降低，所以原本就不太亮的照片印出來就顏色就更沈了一些，但還好跟這系列相片的氣氛還挺搭，所以影響不大。

雖然一開始就知道大小為4.2×7.8cm，實際拿到手還是覺得：好小一張呀！比一般名片再小一點。

拍拍卡的好處是30張正面都可以放不同的圖片，而背面是統一的，像名片一樣可以放文字資料跟logo，喜歡多變化的人印來當名片或交換送朋友也是不錯。其實正面有很多排版方式可以選擇，也可以放文字，但我仍喜歡傳統滿版的感覺。

整體來說品質還挺滿意，目前點點印只推出文庫本跟拍拍卡，滿期待點點印接下來要繼續推出的故事本跟隨手翻。雖然說，小張有小張的好處，但也想嘗試大張一點的，像是另一個品牌photo book所推出的明信片。

另外，除了實體的印刷成品，都還會附有線上閱讀版本，可以在網路上分享與觀看大家的作品，如果作者同意，網友也可以自行下單一份一樣的收藏。也歡迎大家來看看我的拍拍卡囉！

→Smallx2的拍拍卡
→TinTint點點印
→TinTint點點印拍拍卡介紹

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我習慣在身上帶本筆記本，雖對文具無特別講究，但理想中的筆記本，有幾個條件：

第一是內頁，要無格線、全部空白，可以塗鴉，書寫方向也自由，但一般文具店裡能找到的，總是以橫線筆記居多。再來是大小，我喜歡約A5左右，大小適中，容易收進包包，又不會太小導致書寫空間不足，第三是裝訂，最好是無線圈，可以攤平，這樣就算使用到接近內側，書寫起來也會很舒服。最後是外觀，不需要花花綠綠的封面，全素色即可。

之前找到最接近我要求的，是無印良品出的其中一款，五本一包，記淂售價好像是69元，算是經濟又實惠的商品，不過以如此便宜的價格，紙張材質當然很普通，內頁張數也不多，封面偏薄，所以丟在包包裡帶久了，整本都凹的皺巴巴，但好歹算合用，怎料用完一批之後，竟然遍尋不著，找了好幾家門市都沒有貨。

後來，發現一個的新的台灣筆記本品牌：ipaper，對於筆記本的品質有相當的堅持，製作過程跟材料都很講究。雖然對ipaper很有興趣，但沒機會看過實品，遲遲不敢衝動購買。

而今天終於在咖啡店看到ipaper的身影，左摸摸右翻翻，其中一款：麵包板手工精裝筆記本，完完全全符合我對筆記本的期待。

A5大小，厚度約9.81mm。素色牛皮紙封面，硬度很夠，只壓上一個內斂的logo。內頁則多達80張，略帶米黃，不會白的刺眼。切成圓角，解決使用久了書角會翻起來的惱人問題。裝訂方式為傳統圓背精裝，既可以完全攤平，書背也不會因此產生難看的皺折。很有質感，也耐用許多。

簡約的牛皮紙封面：

全白的內頁：

售價149，看似不便宜，但手工製作，品質優秀，的確也是有相對應的價值，所以當下買了一本嘗試看看。

當然還有其他不同的規格供選擇，像是加束帶的版本、線圈裝訂的版本、有趣的餅乾版筆記本，也有打孔活頁紙跟金屬書籤等等。

ipaper目前主要走網路通路，至於實體通路，是跟台北與台中的幾家咖啡店合作，在店內販售。有興趣想多了解，可拜訪ipaper網站，能看到詳細的商品製作紀錄，還有製作者國華對於筆記本的用心。

真希望台灣能有更多像這樣，堅持品質的本土品牌。

→ipaper官方網站

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《皮克斯二十年展》於八月初開始於台北美術館展出。我期待已久，也早早訂了票，但長達三個月的展期，還是拖到結束前才趕緊播空參觀。（坦白說自己漏看好幾部皮克斯的電影，本想於參觀之前把全部電影都看過一遍，但怎料展覽都要閉幕了，我的功課卻遲遲沒有進展。）

選在星期二的早上，特地避開暑假與週末，雖然人潮不算爆滿，數目還是出乎我意料地多。而因為大部份展品為手稿，篇幅不大，想要瞧個仔細非得站到作品前，要是人潮一多，真是光排隊就會耗上個大半天。

《皮克斯二十年展》展出的展品，主要著重在動畫研發階段的原稿，而這也是皮克斯原稿的初次展出。一般印象裡面，3D動畫使用著重在科技技術，但實際上藝術家們在準備階段，仍舊大量地使用傳統媒材，來作各式各樣的角色、場景設定。

故事、角色、世界，《皮克斯二十年展》以這三個元素為大分類，分別展現動畫製作的過程。

一部動畫電影裡，幾乎整個拍片時間三分之一到四分之三的時間，都是在處理「故事」。雖然知道故事內容的本身，才是電影的精髓，但這麼長的時間仍舊超乎我原先預想的長度。

藝術家會先進行故事概念與草圖的繪製，再將整篇的藝術風格定調，並畫出類似「分鏡」的故事板（storyboard），故事板可以像剪接一樣安排先後的順序，所以可以看到展出的稿子上註記著編號。這真是一個很有趣也是很聰明的方式，需要討論的時候，將每個畫面依序釘在板子上，不僅能很具體的呈現大綱，要調動劇情的前後也十分方便。

角色的設計也是面面俱到，像是玩具總動員裡面玩具們，連體內的關節與零件都經過精心設計。

有一張Tia Kratter的手稿，把蟲蟲危機裡的Filk畫成達文西的維特魯威人，可愛到讓不禁我笑了出來。

在設定的階段，角色的外觀往往會經過不同版本的演變，甚至跟我們在電影中所見相差甚遠，最好的例子就是《怪獸電力公司》裡面的毛怪一角，從剛開始擁有如章魚一樣的下肢，到最後看到的毛茸茸長相，顏色也經過各種版本的嘗試，說真的，我非常慶幸最終定調的毛怪是我們現在所看到的這樣，因為無論造型跟顏色，都覺得最能符合角色的感覺。（老實說，多腳怪實在不討我喜歡）

《怪獸電力公司》毛怪的色彩實驗：

《料理鼠王》小米立體模型：

通常角色會先用雕塑的方式呈現，最終確認後，再進行3D建模，所以展品中有許多角色的模型，雖然是沒有上色的素模，但看到令人熟悉的虛擬人物，如此精準地在眼前立體化，還是想要細細觀察一番。

動畫電影裡的人物通常都有豐富的表情，跟一些簡筆風格的插畫很不一樣，考慮到立體化，也需要比較精準的設定肌肉與骨骼的部份。

記淂有一張手稿上面是各式的人臉，是設定《海底總動員》裡面牙醫候診室的各個病人的長相，同樣是眼睛、鼻子、嘴巴，卻每個都不一樣，並覺得有血有肉，能隨意想像其中一人笑起來或癟嘴的樣子。對這張印象深刻是有原因的，其實我以前很不會畫人，從小喜歡畫的是動物，愛看漫畫，卻不曾想要自己動筆，直到後來年工作上有需要，才開始比較密集的畫人，漸漸感受到角色設計的重要性，因此，很佩服藝術家們能將人物設計地如此生動

又回想起了以前的上過的藝用解剖學課程，就是去了解動物的肌肉與骨架，才會讓人物動作自然靈活又符合邏輯。

彩繪腳本（colorscript）是我很感興趣的一部份，將類似分鏡的畫面上色，設定大場景的色調，用簡單的色塊或渲染的色彩，即能呈現環境的氛圍，整篇串聯起來相當的有張力，也更能以具體地想像最終呈現的效果。

不同的藝術家使用不同的媒材來繪製，我個人非常喜歡Ralph Eggleston使用粉彩筆為《海底總動員》及《玩具總動員》繪製的彩繪腳本，覺得粉彩既鮮艷又溫潤的質感，將海底世界及玩具們表現地很吸引人。而Lou Romano所話的《超人特攻隊》的彩繪腳本，則是使用電腦繪圖，以幾何色塊的方式，能展現英雄們的速度感及力道。

《海底總動員》彩繪腳本：

《玩具總動員》彩繪腳本：

《超人特攻隊》彩繪腳本：

在「世界」這個主題裡，看到了皮克斯的藝術家精益求精與實事求是的態度，展品中有針對電影中的場景所作的各種研究，像是葉子的季節變化，海底的光影變化等等，企圖創造出最完整的世界。其中有一件作品是畫《料理鼠王》當中的那間餐廳，一連四張相同的角度，描寫餐廳單日當中四個時辰的光影與色溫的變化，非常非常地漂亮，令人著迷。（可惜我始終找不到那張圖片）

《蟲蟲危機》葉子的季節變化：

除了大型長篇動畫，皮克斯也推出許多的動畫短片，此展有展出其中五支，包括1988年的首支短片〈tin toy〉（小錫兵），距今約20年前推出，在當時是一大創舉，也是3D動畫重要的里程碑。明知如此，但回頭去看，仍不禁覺得當時的技術還真是陽春，可是呢！卻發現到，雖然技術上有所差異，但皮克斯的創意與幽默，卻在當時就已表現出來。

有一件展品，所有看過的觀眾絕對是印象深刻、大為驚奇，就是〈玩具總動員幻影箱〉，這是一個大型裝置，將《玩具總動員》中角色的立體模型，固定在大圓盤上，以每秒十八格的頻率轉動，搭配LED閃燈與精準的電腦對位，此時我們只能看到亮起來的畫面，等於是一秒閃過十八個畫面，觀者就會產生視覺暫留的現象，人物們就活生生地動了起來。原理跟逐格動畫是一樣的，但更特別的是它不單單是平面的幻覺，而是立體的，所有的觀眾，尤其是小孩子，無一不趴在作品前發出陣陣驚歎聲。

幻影箱：

展覽的最後留有一個大型展間，內部播放著這支影片〈art scape〉（藝術風景），影片中，將展出的各部電影的場景2D設計稿，用3D動態模擬技術將之串聯起來，好像每張作品都成為一扇窗戶，觀眾被帶領著，悠遊於一個又一個的小世界當中，通篇沒有對話與音樂，但配合加入不同的音效，使用四架單槍與6.1聲道的環繞音響，整個作品營造地很有氣勢，尤其是這樣的創意也令我相當驚喜。

〈藝術風景〉：

最後補充一點，就是此展有推出有特別設計的門票，每天不同，整套蒐集起來一定很棒。不過我的票都不是以下這幾款，因為是曉嵐送我的優惠票，所以在這裡特別感謝一下親愛的曉嵐。

門票：

個人覺得比較可惜的是，因為多數展品為靜態，對於一些需要解說才能理解的層面，可能單純的參觀民眾就無從得知，不過有配合活動的講座，也許可以作為彌補，讓觀眾了解關於動畫不同的面向，而來不及參與講座的朋友，推薦到皮克斯二十年展blog逛逛，有不同主題的資料整理，滿豐富的。

當然動畫電影與平面插畫不盡相同，但關於故事的構思與角色場景的設定等等，道理都是共通的，參觀完這個展覽，給我不少關於經營繪本的啓發。怎樣的展覽是好展覽？這個問題很難下答案，但我的水彩老師說過：「看過之後會讓你很想作些什麼、畫些什麼的展，就是好展覽。」現在的我一整個就很想開始畫粉彩跟設計故事，就是對於這個展最直接的評價。

<部份圖片轉錄自以下網站>

→皮克斯工作室
→皮克斯二十年展網站
→皮克斯二十年展blog

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